febrero 2011

2/28/2011

Aldana Aramburu, Entramando la Creatividad


Nacida en la ciudad de Hurlingham, Buenos Aires, Argentina, en el año 1983. Aramburu tuvo un interés especial por el arte toda su vida, comenzando su formación artística desde muy joven. Tomó cursos de pintura y expresión, siendo apenas una niña y con la madurez se inclinó por el diseño textil. Comenzó su educación profesional en la Universidad de Buenos Aires, donde se graduó como diseñadora textil en el año 2007. Durante la carrera, ejerció como docente, dos años, en la asignatura de Medios Expresivos.


Su profesión de Diseñadora Textil, es la que ha marcado notablemente su tendencia artística. Une el arte y el diseño, dejando al “hecho creativo” como protagonista. Cuando crea arte, diseña; y cuando diseña, crea arte. Las obras pueden ser un diseño para una alfombra o bien puede ser un raport para un estampado de un tejido. La diferencia está en que se trabaja sobre otro soporte y con otros recursos. Lo que cambia es la finalidad que se le da, pero la intención en la creación del diseño/arte es la misma a través del desarrollo de un concepto o una idea. 


Todo lo que se ve reflejado en sus obras de arte tiene un contenido directo o indirecto respecto de lo textil. Esto se puede ver en trabajos como la colección "Entretejido Social" o "Entramat Social" en la que aparecen fragmentos de imágenes de tejidos; o la serie C de "Formas Naturales" que son tres diseños de raports. Unos meses después de graduarse, se muda a Sabadell, Barcelona, España, donde vivió un año para dedicarse exclusivamente al arte. En este período estuvo realizando varias exposiciones por España y a mediados del 2009, regresa a Buenos Aires, donde desarrolla nuevos proyectos relacionados al diseño y el arte. 


En el 2010, una de sus obras recibe una mención, entregada por el Maestro Antonio Pujía, uno de los más importantes artistas contemporáneos de la Argentina. Continúa realizando exposiciones por Argentina, España y Francia. Por estas fechas, Aramburu se encuentra participando en un concurso con la obra ubicada debajo, llamada "A is for Art". Para votarla es necesario hacerse fan de la página en facebook DesignByHumans y hacer click en "Me gusta" sobre la imagen. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de esta artista, visita su Web

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2/27/2011

Natalia Koreshkova, Intrincados Óleos Pasionales


Natalia Koreshkova es una artista nacida en Rusia en el año 1975, cuando era niña su creatividad se sintió alentada por su padre, que era un artista y diseñador de moda. "Desde muy temprana edad, he creado murales y collages, he dibujado o pintado sobre cualquier superficie que pudiera encontrar. Muchos niños tienen sus propios mundos de fantasía, pero fui capaz de hacer que el mio cobre vida a través del arte. La pluma, el lápiz, el pincel, han sido siempre una parte de mí, una extensión de mí misma. Mis manos nunca están quietas, siempre trabajando, incluso mientras hago otras cosas, es como una energía que se escapa a través de mis dedos, dando vida a las ideas en mi cabeza" dice la artista. Desde 1985 a 1989 Koreshkova toma una formación clásica en la Escuela de Arte en Kursk y más tarde en Kiev, para aprender sobre la historia del arte y las técnicas básicas del arte, como la naturaleza muerta y el paisaje. Su formación trajo una sólida base a su creatividad, dando forma y dirección a su energía artística. 




Después de terminar su educación formal, Natalia se traslada a Munich, Alemania, donde estudia moda y confección, aportando su talento al mundo del diseño de moda. Paralelamente a sus estudios, volvió a expresar su propia creatividad y comenzó a trabajar con ilustraciones. Fue comisionada para pintar retratos y obras especializadas en viviendas particulares y en lugares de trabajo. Este sería el comienzo de su carrera artística, donde comenzó a desarrollar un estilo figurativo, utilizando interpretaciones surrealistas con personajes fantásticos, tanto humanos como animales. Siguió trabajando en sus propias pinturas y dibujos y en esta época empezó a desarrollar un estilo específico aún surrealista y figurativo, pero con elementos románticos y místicos. 



Se había vuelto más gráfica e ilustrativa, trabajó en el papel, con líneas de tinta. Natalia se mudó a la isla de Cerdeña, donde trabajó con otro artista, decorando villas privadas. También fue su momento para explorar nuevos medios y técnicas dentro de su propio arte y dio sus primeros pasos desde lo figurativo al arte abstracto, sintiendo que era una forma más intuitiva de expresión. Empezó a utilizar arena y acrílico sobre lienzo para crear sus efectos, junto con colores fuertes y formas surrealistas, la inyección de movimiento, la energía y la influencia de la naturaleza pura en su trabajo. Durante los años 2005 y 2007 realizo muchos viajes y fue influenciada por muchos otros artistas. Su estilo siguió evolucionando, pasando con más fuerza hacia el abstracto. Ella quedó impresionada por una amplia gama de técnicas artísticas, en particular los de soplador de vidrio de Dale Chihuly, el fotógrafo de la naturaleza Peter Lik y artistas como Vladimir Kush o Boussignac Patrick


Desde el año 2006 ha estado en permanente colaboración con diseñadores de interiores y arquitectos, para proyectos de grandes casinos en el este de Europa, y su trabajo, que es sobre todo una selección de trípticos, se muestra en las salas VIP de los casinos y los mejores hoteles, incluyendo el Hilton, el Radisson y el Carlton. Koreshkova empezó este tipo de trabajos en el 2006 para el Casino Olympic Grup en Riga y desde entonces ha realizado proyectos similares en Varsovia y Bratislava. Para estos trabajos ha utilizado telas de amplias y las pinturas son composiciones abstractas, decorativas, utilizando colores vivos. Su trabajo está permanentemente en exhibición como parte del diseño interior de los casinos. En el 2007 se traslada a Marbella e inicia una nueva fase en su desarrollo artístico, con menos detalles, grandes lienzos, más soltura y una combinación de diferentes materiales. Fue un año muy productivo y su arte parecía no tener límites, que es exactamente cómo lo deseaba. En ese momento ella dijo: "A menudo me siento que no hay suficiente espacio para una idea. Necesito la libertad de difundir, para permitir a un cuadro ir a donde quiere" Sus pinturas durante este periodo son una construcción compleja de formas y colores y tienen una profundidad que se ve mejor con una mente abierta y un ojo que está dispuesto a ver varias capas de significado potencial oculto en su interior.


Durante el año 2008, Koreshkova siguió trabajando en su propio estilo artístico y recibiendo comisiones por sus obras de arte creativo de parte de empresas y particulares. Ella ha estado experimentando con el uso de menos colores y más líneas gráficas. Ya en el 2009, logra completar dos pinturas para el nuevo casino Bora-Bora, en Bucarest, Rumania, inaugurado  en el mismo año. En el 2010 Koreshkova se mudó al norte de Italia donde nació su hijo. Acaba de terminar la pintura Desert Rose, dedicada a la ciudad de Las Vegas. Y comenta sobre su futuro "En los últimos 25 años, he estado constantemente experimentando, empujando los límites y aprender acerca de lo ilimitado de mi trabajo, que, por supuesto, va a continuar, ¿cómo no? Mi arte es mi vida, la esencia de lo que soy, no es algo que puede ser contenido, tengo que ser capaz de expresarlo. He aprendido la importancia de escuchar a mi alma, lo que dicen mis instintos para guiar mi trabajo adonde quiera ir. Tengo la suerte de tener gente a mi alrededor que me permite hacer eso, que creen en mí y en mi trabajo (que son los que me animan a asumir nuevos retos, para buscar nuevas fronteras). Cuando alguien observa uno de mis cuadros y se conecta con ellos a su manera, cuando tocan una profunda emoción dentro de ellos, eso es lo que me lleva la mayor satisfacción y alegría como artista..." Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, vista su Web o Facebook Page

2/25/2011

Stanko Abadzic, Gris Realidad de un Maestro


Stanko Abadzic nació en el año 1952 en Vukovar, Croacia. Cuando tenía 15 años, su padre le regaló una cámara que no le resulto  complicado aprender a utilizar. Siendo adolescente, también se unió a un club de fotografía, estudió libros, y asistió a centenares de exposiciones fotográficas. Después de casarse, trabajó como reportero y fotógrafo para mantener a su familia. Cuando la Guerra de Independencia Croata estalló en 1991, Abadzic tuvo que abandonar todo y huyó con su familia a Alemania donde permaneció un breve periodo de tiempo. Tras soportar cuatro años difíciles, tiempo en el cual logra tomar algunas fotografías, a el y su familia se les negó la ciudadanía alemana y se vio obligado a abandonar el país.



Después de trasladarse a Praga, Abadzic experimentó un renacimiento y comenzó a explorar la ciudad con una cámara de formato medio. En este punto, en 1995, comenzó a desarrollar su ojo fotográfico de manera seria. Pudo regresar con su familia a Croacia en el año 2002, estableciéndose en la capital de Zagreb, aunque continúa visitando Praga para tomar fotografías y también brotes en la isla croata de Krk (Veglia). 


El trabajo de Abadzic se caracteriza por fuertes contrastes de luz y oscuridad y un interés en patrones y formas geométricas creadas por largas sombras, calles de ladrillos o adoquines, diseños intrincados de hierro, vallas y otros elementos reticulares. Trata de buscar a los niños jugando, gente en bicicletas o en los cafés de la calle, y tiene un ojo muy entrenado para el graffiti, carteles y señales. Por lo que, para los pobladores, no es sorpresa si lo encontraran a deambulando por las calles con una cámara, siempre listo para captar una determinada imagen. 


Existe un fuerte sentido de la nostalgia y la transitoriedad que atraviesa su obra, debido sin duda a sus experiencias personales. Abadzic ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de Dubrovnik, el Museo de Arte Moderno de Rijeka, Museo Mimara en Zagreb, y varias galerías de Praga, Berlín y otras ciudades de Europa del Este. Si estas interesado en conocer con mas detalle su obra, visita su Web


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2/24/2011

Fabian Perez, Plasmando Sensualidad


Fabian Perez nació el 2 de noviembre de 1967 en Buenos Aires, Argentina. Ya en su adolescencia, quedó fascinado con las artes marciales y artes plásticas. Por lo tanto, se dedicó a estudiar ambas disciplinas. El Karate ayudó a influir en su carácter para aportarle una gran disciplina, así como la apertura de su "yo interior". Mucho de lo aprendido a través de sus estudios orientales influyó en su manera de hacer arte.



Fabian dejó Argentina cuando tenía 22 años para irse a vivir a Italia, donde residió durante siete años. Es allí donde su carrera en la pintura y la escritura, tomó un viaje ascendental, es también en Italia donde se inspiró para escribir su libro "Reflexiones de un Sueño", que fue publicado más tarde en los Estados Unidos


Luego se trasladó a Japón donde vivió por un año. Allí pintó "La Bandera de Japón" y "Un Hombre Mediador" que están en exhibición en la casa de gobierno japonesa, Fabián salió de Japón para venir a Los Ángeles, donde dedica su vida a inspirar a otros con sus pinturas y escritos.



El estilo de Fabian es único. No desea hacer una clasificación de su trabajo ya que siente que limita al artista, así como el trabajo. Le gusta pintar con acrílico porque seca rápidamente y esto le permite seguir sus impulsos de las imágenes audaces y simbólicas cuando se siente intensamente apasionado. Las pinturas con sus emociones reflejan su energía. Por ello, estas, se convierten en una hoja de ruta, una guía con muchas direcciones, permitiendo a los espectadores a decidir qué camino desean experimentar. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web


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2/23/2011

Yan Yaya, Miradas Melancólicas


Yan Yaya es una artista nacido en el año 1964 bajo el grupo étnico Man, en Shaanxi, China. En 1985 se graduó de la facultad de Yan Gansu, ubicada al noroeste del Instituto Nacional de Bellas Artes, y fue nombrada diseñadora artística del Museo Gansu, al poco tiempo de recibirse. Desde que se graduó, emprendió otros cursos de arte en el Mural Department and Assistant Lecturer's Advance Studies perteneciente a la China's Central Art Institute. Ha sido profesora de arte en la Capital University of Educator Training desde entonces. Sus obras han sido recopiladas por galerías de arte y coleccionistas de EE.UU., Alemania, Canadá, Singapur, India, Turquía, Japón, Hong Kong y Taiwán. También ha publicado obras y artículos en revistas tales como China Oil Painting, Art, Art Field, Art Survey, y Journal of Art. Asistió al Departamento de Bellas Artes de la Universidad del Noroeste de Nacionalidades y la 9th Graduate Class of Department of Oil Painting, perteneciente a la Academia Central de Bellas Artes. En el año 1997 ha recibido el premio por su excelente en el "National Exhibition of New Artists and their Works", organizado por la Asociación de Artistas de China en Beijing Art Expo. En 1998 participó en el "China Exhibition of Islamic Art Exchange" en Irán y recibió el premio de la amistad. En el 2000 participó en la "Exhibición Internacional de Arte" en Turquía. Durante el 2003 realiza una exposición individual llamada "Angels of Warmth" en el Museo Nacional de Arte en Beijing, China. En el 2004 su obra "Longing" ha sido seleccionada para la 10ª Exposición Anual de Arte Nacional de China. El mismo año, logró el reconocimiento "The Most Excellent Woman Award" de la Televisión Central de China. En el año 2005 su exposición individual "Angels of Warmth" es organizada por la Singapore and French International Art Exchange Association. En el 2007 realiza la exposición "Yaya Journeys to Pamir Mountains", organizada por la Galería de Arte Moderno BaoQuTang en Hong Kong. Y Al año siguiente, su obra "Look At My Eyes" fue seleccionada por la "Tercera Bienal Internacional de Arte de Beijing, China", organizado por el Museo Nacional de Arte de China. 




2/22/2011

José Parra, Sorprendente Imaginación Mexicana


José Parra nace en Guadalajara Jalisco, Mexico, el 29 de enero de 1975 como parte de la tercera generación de pintores en su familia. Su abuelo fue un artista e ingeniero en Tepic Nayarit. Su padre J. Parra "Parrech", seguido de su hermano "Agustín Parra" se muda a Guadalajara para comenzar a retomar la pintura Mexicana Costumbrista. Los dos hermanos crecieron en pocos años, experimentando con todas las ramas artísticas desde pintura y escultura, hasta elaboradas piezas de decoración, inspiradas en el Barroco Ibero-Americano. Ahora Agustín se ha dado a conocer internacionalmente por haber hecho mas de doce sillas especiales para el Papa Juan Pablo II, convirtiéndose en proveedor oficial del Vaticano.


"Parrech" se convirtió en un personaje dentro de la escena plástica local, debido por un lado a la calidad de sus piezas y por otro al apoyo de su estudio a artistas como Sergio Garval, Enrique Monraz, Jose Moraila, Rubén García y Nino Magaña entre otros. Las cada vez mas conocidas "Alacenas Parrech" han sido exhibidas en Sudamérica, Europa y Norteamérica. José Parra tuvo su primer contacto con la pintura a temprana edad en el estudio de su padre, pero no es sino hasta los 16 años cuando decide integrarse formalmente al estudio-taller, en donde aprende la escuela de la familia. Después de estudiar en el I.T.E.S.O. Comienza la carrera de Artes Plásticas en la Universidad de Guadalajara. La primera exhibición individual llegó después de ganar un premio en el Concurso "Arte Joven" a la edad de 21 años. Fue en esta exhibición en donde toma el recurso de la Talavera como parte integral de sus composiciones. Después de trabajar con galerías en Puerto Vallarta por espacio de tres años, y en Toronto por un breve período, Jose Parra exhibe por primera vez en Nueva York. Fue en esta primer visita cuando se une al "Art Student´s League of New York" en donde toma clases de anatomía.


En el año 2000 participa en la exhibición colectiva "Le Monde Misterieux" en la Galería Belenky con seis piezas, y es en este mismo año cuando comienza a trabajar con "Galerie 2000" de Montreal. En el 2001, gracias al éxito de la pasada exhibición, obtiene su primer individual en N.Y. con "The Subway Sessions". En el mismo año comienza a trabajar con "Gruen Galleries" de Chicago. Después de los eventos ocurridos el 11 de Septiembre, La galería Belenky reúne un grupo de artistas para un evento especial, el cual se llamó "God Bless America", con el fin de recabar fondos para la Cruz Roja y al mismo tiempo llevar un mensaje de esperanza. En este evento, Jose Parra participa con dos piezas: "Song of liberty" y "Viva". En el 2002 participa en un subasta al lado de piezas de artistas como Rivera, Toledo y Dr. Atl. El siete de agosto de 2003 exhibió su primer colección de personajes de carnaval en "Harlequin's Tales" en Belenky N.Y. Debido a la aceptación la exhibición se extendió hasta el 19 de Enero de 2004. Del 23 de Abril al 20 de Junio se llevó a cabo la exhibición “Cuentos y Caprichos” en Casa Vallarta de Guadalajara, en donde se exhibieron 18 piezas en cinco salas. El evento de apertura recibió a más de 500 personas.


En julio del 2005 tuvo lugar la exposición "El Continente Perdido" en Galería Minerva, Asheville Carolina del Norte, fue precedida por dos cocteles, ambos con piezas en exhibición, en el segundo caso piezas de la colección Slosman. Galería Minerva recibió mas de 500 personas el dia de la apertura. La exhibición “Historias del Continente Perdido”, una continuación de la llevada a cabo en Asheville, tuvo lugar en el Museo del Ayuntamiento de San Miguel de Allende en Guanajuato, Mexico. En Junio del 2006 se llevó esta última colección aumentada al Espacio del Arte en Televisa Guadalajara, la que tuvo muy buena aceptación por la crítica y público en general; y en Julio del mismo año en Galería Art’Américas de Montreal se llevó a cabo la colectiva “Ámes Passionnées” con duración de dos meses. Actualmente José Parra se encuentra trabajando en una comisión especial para la colección Riley en Tucson Arizona, en coordinación con Galería Minerva y la Sociedad Historica de Arizona en Tucson. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de esta artista, visita su Web




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2/21/2011

Michel Ogier, El Heredero de Fini


Nacido en los atentados del 19 de diciembre de 1943 en Saint-Etienne. Sin duda, este trágico hecho lo golpeó inconscientemente de niño, por lo que rápidamente se refugió en su imaginación. Paso toda su infancia hasta 1969 en Lyon, luego en 1971, en Lausana (Suiza). De técnica autodidacta, aprendió la los oficios de la pintura al óleo con el Tratado de Xavier de Langlais. Podría ser comparado a una técnica manierista visionaria y su estilo es muy similar a la escuela holandesa. Practica el arte del Vitraux y se caracteriza por tener un control singular sobre la luz y el trabajo del color.


En calidad de experto, participa en la edición nueva y ampliada de la monografía de Leonor Fini. Fue todo un desafió, ya que debía mantener en sus manos la responsabilidad de reproducir las diapositivas de las obras de la pintora. "Me encontraba desbordado, era como si ella me entregara las llaves, como si me hubiera estado esperando para abrir todas las puertas que nos protegen y nos asfixian al mismo tiempo. No estaba seguro si iba a ser capaz de penetrar la materia de mis espacios inexplorados, donde nacen las acciones que a lo largo de la vida de uno busca justificar. Por aquella época, en mis sueños, a menudo habían habitaciones , en el corazón de una casa que no correspondía a aquella en la que yo realmente había vivido, pero era mía, donde descubría todo lo olvidado. ¿Estaba al fin ante la posibilidad de conseguir acceso a aquellos espacios? ¿Tal vez por debajo del musgo se descubre la corteza y la savia de la madera? Para alguien que nunca había estado en la escuela de arte, el reto estaba mas vigente que nunca..."


No tuve escrúpulos, mi motivación estaba directamente relacionada con la necesidad de exigirme interiormente, empecé a realizar algunos dibujos, pero sin ideas para concretar, ademas no quería utilizar ningún modelo. Quería formas y colores que nacieran en mi, por su propia voluntad. La idea de obtener una mujer que se quite la ropa con el fin de conseguir la inspiración de sus facciones, estaba lejos de mi mente. Los personajes y los organismos que dolorosamente se forman debajo de mi lápiz no se deben a una verdad morfológica, salieron de un aliento contenido, de otra verdad..."


Un dato que llama la atención es que durante mas de quince años pintó sin exponer sus obras. El artista comenta al respecto: "En realidad, ni siquiera pensaba en ello. Sólo quería continuar con mi misión en el silencio y el aislamiento que necesitaba. He pintado para mí, para sobrevivir, pude ver que no fue egoísmo, siempre motivado a pensar que mi mundo podría generar interés y entusiasmo en un futuro. Ahora, gracias a ese tiempo, cada vez que me encuentro delante de un lienzo en blanco, siento como volver a vivir la primera mañana del mundo... No sé nada y el resto me olvido de todo. Ahora entiendo que mi pintura es una declaración del estado de las almas y situaciones del espiritu" Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista, visita su Blog


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2/19/2011

Wai Ming, Una Maravilla Autodidacta


Wai Ming nació en Cantón en 1938, es hijo de un maestro de escuela con nueve hijos. Extremadamente pobres, como un niño típico de su situación social, fue criado en Hong Kong bajo muchas dificultades. Allí es donde ha desarrollado sus técnicas de dibujo sin ningún tipo de educación artística y comenzó a pintar lo que veía. A pesar de su formación autodidacta, Ming pinta con una profesionalidad poco común que hace una declaración social importante. Sus pinturas al óleo y reproducciones de arte, principalmente de temas orientales, son admiradas y adquiridas por personas de todo el mundo, incluyendo famosos y dignatarios extranjeros. Pocas veces el impacto de un artista resulta ser tan inmediato, como el de Ming a su llegada a San Francisco desde Hong Kong en el año 1974. Su sensibilidad artística se combina con un realismo sorprendente que ha llamado la atención del público. Sus cuatro pinturas que aparecieron en la Swanson Gallery Art en San Francisco por primera vez en 1975 se vendieron todas en el primer día. No sólo la demanda de su trabajo ha crecido de manera constante, sino que es reconocido por muchos como uno de los principales artistas del área de la bahía y del mundo. Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista, visita su Web











































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Alfred Gockel, El Poder Expresivo


Alfred Alexander Gockel es un artista nacido en la ciudad de Lüdinghausen, Alemania, en 1952. Desde sus primeros días, estaba fascinado por la magia de los colores de papel. Este talento y entusiasmo ha provocado la liberación de esta obra de arte por primera vez por un editor alemán, a la edad de ocho años. Estudió desde 1973 hasta 1977 en la Universidad de Münster habiendo terminado el curso de diseño. Después, trabajó por cuenta propia como dibujante y pintor, además de dar clases de serigrafía como profesor delegado en la Universidad de Münster. Gockel dedicó desde 1981 todo su tiempo a su creatividad artística desarrollando su pintura, serigrafía y escultura. En 1983, fundó la empresa editorial Avant Art la cual distribuye sus ediciones en más de 50 países. La reconstrucción del molino adquirido en 1988 para crear el centro de serigrafía, aumentó sustancialmente su capacidad de exposición además de aumentar su nivel artístico. Su éxito internacional, obligó a la construcción de un taller mayor para poder realizar trabajos de mayores dimensiones. Su estilo reconocido e incomparable despertó gran interés entre los coleccionistas de arte. Gockel ha adquirido un reconocimiento en el mundo artístico a través de sus actuaciones en sus exposiciones, y en otros eventos sociales. Su arte está compuesto con los colores iluminados más bellos, adornados con poderosas figuras y acentuados negros. Los colores por separado y los adornos color negro desvanecen juntos, y crear una imagen individual para cada espectador, no importa la cultura o posición social. Sus cuadros coloristas, próximos al expresionismo, son similares a los de Kandinsky. En el terreno de la difusión gráfica, produce reproducciones en serigrafía de su obra, en series limitadas y en grandes tiradas. Para celebrar el 20 aniversario de la caída del muro de Berlín, Alfred Gockel llevó a cabo una de sus obras más curiosas. Uno de los últimos fragmentos originales del muro de Berlín fue adornado con metal y pintura. El muro de hormigón se convierte en superficie pictórica monumental, con un alto contenido de memoria. Sus esculturas surgen de la plancha de metal recortada con formas figurativas, sus grandes dimensiones les confieren un aspecto monumental. En la puerta de su empresa en Lüdinghausen hay una y la otra se encuentra en el municipio de Sint Anthonis. El estilo distintivo es automáticamente reconocido como un verdadero Gockel. Sin embargo, con los procesos de producción y la impresión es tan importante como la representación artística. En su colección podemos observar la artesanía y la dedicación de un hombre que comenzó su carrera en este campo de estudio, y aún puede seducir a su público con su propia pasión. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web