noviembre 2011

11/28/2011

Merab Gagiladze, Detallada Imaginación Simbolista


Merab Gagiladze es un pintor nacido el 13 de marzo de 1972 en la ciudad de Tbilisi a orillas del río Kura, Georgia. En el año 1987 comenzó sus estudios formales de arte, en la escuela de arte de Tbilisi, School Of Ceramics. En 1990 continuó sus estudios en la prestigiosa Academia Estatal de Bellas Artes en Tbilisi y se graduó en el año 1996 con una licenciatura en Artes Gráficas. Sus obras han sido expuestas en numerosos programas de colección de galerías de todo su país natal, Georgia, así como en Inglaterra, Irlanda, Francia y Estados Unidos. Las obras de arte de Merab reflejan la belleza y variedad de la vida, que transmite las alegrías, penas y sueños de un hombre ordinario. El artista dibuja a sus personajes basándose en la historia de la humanidad, la mitología y la religión. A menudo emplea escenarios simbolistas para enriquecer el contenido de sus obras de arte, con ornamentos hermosos y sutiles capaces de agregar elegancia y luz a sus notables pinturas. La complejidad en las texturas, colores y composiciones revelan una sofisticación técnica admirada en el mundo del arte.




11/27/2011

Jorge Marín, Fantástico Imaginario Escultórico


Jorge Marín es un pintor y escultor nacido en la ciudad de Uruapan, Michoacán, Mexico, el 22 de septiembre de 1963. Es el menor de una familia numerosa (que incluye a su colega y hermano Javier Marín). Hijo de padre arquitecto de quien dice tiene gran influencia, llegó a la Ciudad de México cuando tenía 7 años. Marín describe su infancia en Uruapan “como si hubiera vivido en el Macondo de García Márquez”. En el año 1980 realizo su Licenciatura en Diseño Gráfico, ENAP-UNAM, México, D.F. y en 1982 Licenciatura en Restauración de Bienes Muebles, Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía “Manuel del Castillo Negrete”, INAH-SEP, México, D.F. Con 25 años sumergido en el mundo del arte, comenzó a trabajar la cerámica a finales de la década de los años 70. En los últimos tiempos el bronce ha sido su material más recurrente. En su obra es frecuente encontrar alas, máscaras, balsas, caballos, centauros, garudas, niños, madonas, victorias y acróbatas; estos elementos junto con la esfera, la flecha y la balanza dotan su universo plástico de un juego poético, donde el equilibrio y la reflexión son ejes primordiales. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




11/25/2011

German Aracil, Detallado Hiperrealismo en Pasteles


German Aracil es un pintor nacido el 18 de marzo de 1965 en la ciudad de Alcoy, Alicante, España. En el año 1985 estudia en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos en Valencia. Su medio predilecto es el pastel, que aplica sobre una excelente base de dibujo Desde muy joven empieza a exponer en numerosas salas de si ciudad natal, Alicante seguido en el año 1990 por exposiciones en el New York's Liz Liberatore Gallery. Dos años más tarde tomó parte en el Art Miami International Art Fair. Desde entonces, Aracil ha expuesto su obra con gran éxito en España, Portugal, Japón, Alemania, Francia, América del Sur y los EE.UU.. Aracil es un miembro de la Sociedad Pastel de España, ASPAS. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




Octavio Ocampo, Pinturas Metamórficas de México


Octavio Ocampo es un pintor nacido en la ciudad de Celaya, Guanajuato, Mexico, el 28 de febrero de 1943. Estudió en la escuela de pintura y escultura (La Esmeralda) Bellas Artes durante 1961 y 1965 y en el San Francisco Art Institute, de San Francisco, California durante 1972 y 1974. Realizó la escenografía de más de 120 películas mexicanas y estadounidenses, así como los diseños para numerosas obras de teatro. Ha participado en exposiciones individuales en México, Estados Unidos, Canadá, Latinoamérica, Europa y Medio Oriente; así como en gran número de colectivas alrededor del mundo. Su obra forma parte de importantes colecciones como: Instituto Nacional de Bellas Artes México, Jimmy Carter Museum Atlanta GA.,Museo Reina Sofía de Madrid, Jane Fonda Collection. Ocampo es también un excelente muralista. Su obra se encuentra en importantes edificios como el Palacio Nacional de México, la Presidencia Municipal, Instituto Tecnológico de Celaya, Grossenbacher Oil Co.Harlingen, Tx y la Casa de gobierno de Guanajuato, Gto. Ha realizado retratos biográficos con su peculiar estilo “metamórfico” para personalidades como Jimmy Carter, Miguel Alemán Valdés, José López Portillo, Jane Fonda, César Chávez, Cher (utilizado para la portada de su disco “Heart of Stone”). En el 2006 se inició la filmación de un biopic producido por el estudio E Corp en coproducción con Inukshuk Films. La cinta incluye entrevistas a los padres y hermanos del artista, actualmente ya fallecidos; así como pinturas inéditas de los primeros años de carrera de Ocampo. El film se estrenará a fines del 2011. El Gobierno de Celaya tiene en construcción el museo “Octavio Ocampo” en su ciudad natal, donde Octavio Ocampo aceptó donar la mayor parte de sus obras.





Gary Benfield, Un Mundo de Delicados Trazos


Gary Benfield es un talentoso pintor nacido en la ciudad de Birmingham, en el año 1965. Su principal característica en la obra es la espontaneidad. Mueve el pincel rápidamente, "barriendo", mientras mantiene la simetría y la armonía de las imágenes. Durante su primer periodo en la carrera no era tan buen pintor, por lo que ganaba dinero como ilustrador comercial. Sin embargo, este trabajo finalmente no le fue redituable y decidió volver su atención y tiempo al estudio figurativo. Era, al parecer, una elección inteligente. Para Benfield, el mundo que nos rodea es un movimiento constante. Objetos y figuras se entrelazan, bailan, giran, toman alguna otra forma y color... y estamos involucrados en un mundo de arco iris con sus imágenes, donde conviven la sensualidad y la alegría de vivir junto al aire y la fantasía de luz. El estilo artístico de Gary Benfield es única ya que es ambidiestro. Con un lápiz en una mano y un pincel en la otra, se acerca a la tela y utiliza ambas extremidades al mismo tiempo, dejando que "lo que sucede, suceda". Lo que ha ocurrido hasta ahora es el éxito rápido y lo que parece ser el comienzo de una carrera. Describe a su trabajo como, "confiable", "seguro de sí mismo" y "romántico". A pesar de que afirma que su mayor influencia es la de Egon Schiele, está claro que explora el lado más soleado de las relaciones humanas. Tiende a concentrarse en la figura femenina y capta lo efímero de los momentos recordados. Además, es muy prolífico, ya que, según sus palabras, puede crear 10 originales en un mes y con frecuencia  consigue dos en un día. Su trabajo se encuentra disponible en forma de originales y serigrafías de edición limitada. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




Bob Byerley, El Reflejo Más Amable y Gentil de la Infancia


Bob Byerley es un pintor nacido en Kansas City, Missouri, EE.UU., en el año 1941. Su madre era profesora de piano y comenzó a enseñar a tocar a Bob a la edad de cinco años: Cuando tenía seis, realizó su primer concierto, continuando su educación musical a lo largo de su infancia. También mostró un gran interés en el dibujo. Después de la preparatoria, Bob decidió ingresar a la universidad, no como músico, sino como estudiante de pre-medicina. Asistió a la Universidad de Missouri en Columbia y en su primer año se le obligó a tomar tres horas de Bellas Artes para su pre-grado. Se inscribió en la clase de Introducción al Arte y al entrar al edificio, veía las pinturas, olía a la trementina, y estaba seguro que esa sería su casa. Él amaba el arte y después de un semestre, hizo la llamada telefónica más difícil a sus padres que había tenido que tomar: Mamá, papá, he decidido no ser médico, voy a ser un artista. Pasó a recibir su licenciatura y su maestría en arte de la Universidad de Missouri en Columbia. Después de graduarse fue profesor de dibujo y pintura en la Universidad y también en el Missouri Western College de San Joseph, Missouri. A la edad de treinta años, Bob dejó de enseñar y comenzó a pintar a tiempo completo. Su objetivo principal, durante muchos años fue la naturaleza muerta y bodegones pintados de una manera muy detallada. A finales de la década de 1980 comenzó a pintar a niños, como el centro de interés en su trabajo y en ese género en particular se encontró con el éxito. Bob ahora es internacionalmente conocido por sus retratos realistas de niños en ambientes nostálgicos. Él y su esposa Alice, tienen cuatro hijos y siete nietos. Alice es su encargado de negocios y una pintora muy reconocida en su campo. Ahora viven en la Cumbre de Lee, Missouri. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





Yuri Firsanov, Pequeñas Figuras del Folklore Ruso


Yuri Firsanov es un escultor nacido en la ciuda de Sochi, Krasnodar, Rusia, en el año 1963. Cuando era muy pequeño, su atracción principal eran los relojes ya que les parecía una pequeña caja de hierro que contenía algo vivo, una especie de diminuto organismo con un corazón martillando. Para tratar de entender este complejo mecanismo, tuvo que desmantelar el reloj de su padre, aquí comenzaba su primer experiencia con la madera y los relojes. "Para mí el tiempo no es el movimiento de la aguja, mas bien, es el movimiento del alma. Cuando miro a las obras de pintores y escultores, siento el calor y el amor que han absorbido sus creaciones. El mundo que nos rodea se disuelve y el alma se abre a este amor" Con el transcurso de los años, y tras largas epocas tallando trozos de madera que encontraba dispersos en su casa, encontró su verdadero estilo. Al día de hoy, las obras de Firsanov se encuentran entre la caricatura, el surrealismo y los bellos relojes artísticos. La meta principal que se ha pautado para su carrera es poder brindar placer mediante el arte. Pero no sólo un placer intelectual, algo mucho más profundo. Un arte que muestra al hombre, por lo que vive y se le revela el significado de la vida, iluminando sus objetivos para ayudarle a entender su vocación. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




Zhong Biao, Ilusoria Mirada Sociocultural China


Zhong Biao es un pintor nacido en la ciudad de Chongqing, China, en el año 1968. En el año 1987 estudió en la Zhejiang Academy of Fine Arts (Actualmente llamanda China Academy of Fine Arts), en Hangzhou, China. para convertirse en uno de los artistas chinos contemporáneos más reconocido del mundo. Como un artista sensible, Biao ha capturado el pulso de las reformas sociales de China a través de los símbolos visuales. Toma las experiencias visuales de una época como fuente de la imagen de sus obras, incluyendo las esculturas que representan las glorias del pasado de China, los modelos de la mano de obra de la Revolución Cultural, y los símbolos de la vida moderna como McDonalds y Boeing. Por supuesto, la mayoría de los símbolos son los rascacielos y edificios de estilo occidental en la antigua China. Aunque sus primeras obras suelen yuxtaponer las imágenes culturales de diferentes épocas, sus últimos trabajos se caracterizan por una mayor transformación. Se establece la dimensionalidad de color contra la dirección del tiempo. La imaginación del artista le da color a las imágenes de edad, sin embargo, las imágenes de nuestra vida cotidiana se ven privados de cualquier color y contexto. Con la desaparición de los colores, el límite entre la realidad y la memoria se destruye por completo y comienza la ilusión. En las obras de Zhong Biao, podemos ver que a través de la creación de ilusiones el carácter incompleto de las imágenes, se dan por vencido no sólo las relaciones antagónicas entre el arte y la cultura de masas, sino también el intento de controlar la cultura de masas. A través de su mirada, Zhong Biao ha replanteado su propia demanda en el ámbito de la cultura de China.




Maxfield Parrish, Un Ilustrador de Habilidades Neoclásicas


Maxfield Parrish es un pintor e ilustrador nacido en la ciudad de Philadelphia, Pennsylvannia, EE.UU., el 26 de julio de 1870. Parrish es conocido por sus distintivos tonos saturados y las imágenes idealizadas de estilo neoclásico. Su nombre original era Frederick Parrish, pero más tarde adoptó el nombre de soltera de su abuela paterna, Maxfield, como su segundo nombre, y más tarde como su nombre profesional. Su padre, el grabador y paisajista Stephen Parrish, fue la principal aspiracion de su talento. Asistió al Haverford College, la Pennsylvania Academy of Fine Arts, y el Drexel Institute Art. Entró en una carrera artística que se extendió por más de medio siglo, y que ayudó a dar forma a la edad de oro de la ilustración y el futuro de las artes visuales de América. Vivió en Filadelfia hasta la edad de 28 años, y el resto de su vida adulta en su casa / estudio de New Hampshire, Oaks, con su esposa Lydia que murió en el año 1953. 


Lanzado al mercado por una comisión por ilustrar el libro L. Frank Baum's Mother Goose in Prose en el año 1897, su repertorio incluye muchos proyectos de prestigio como Eugene Field's Poems of Childhood de 1904 (incluyendo 8 láminas en color) y obras tan tradicional Arabian Nights de 1909 (incluyendo 12 láminas en color). Los libros ilustrados por Parrish, además de los que incluyen reproducciones de la obra, así como Parrish's work—including A Wonder Book and Tanglewood Tales de 1910 (incluyendo 10 láminas a color), The Golden Treasury of Songs and Lyrics de 1911 (incluyendo 8 láminas en color) (1911) y The Knave of Hearts de 1925 (incluyendo 23 imágenes en color) son objetos de colección altamente codiciados. Durante su vida, tuvo numerosos encargos de revistas populares en la década de 1910 y 1920 como Hearst, Colliers, y Life. Fue también, un favorito de grandes anunciantes, incluyendo Wanamaker, Edison-Mazda Lamps, Fisk Tires, Colgate y cubiertos Oneida.


En la década de 1920, Parrish se apartó de la ilustración y se concentró en la pintura. Con desnudos andróginos en entornos fantásticos, eran un tema recurrente y su predilección. Continuó en esta línea durante muchos años, que viven cómodamente de las regalías aportadas por la producción de carteles y calendarios con sus obras. Una de sus modelos favoritas fue Kitty Owen, en la década de 1920. Más tarde, otra de las favoritas, Susan Lewin, posó para muchas obras, y fue empleada en el hogar Parrish durante muchos años. Parrish  posó para varias imágenes que contó con hombres y mujeres. En 1931, declaró a la Associated Press, "he terminado con las niñas en las rocas", y optó por centrarse en los paisajes. Aunque no tan popular como sus trabajos anteriores, se benefició de ellos. A menudo construía modelos de los paisajes que deseaba pintar, utilizando diversas configuraciones de iluminación antes de decidir sobre una vista preferencial, que sería fotografiada como base para la pintura. Vivió pintando en Plainfield, New Hampshire, cerca de la colonia del arte de Cornualles, hasta que tenía 91 años de edad. Él era también un ávido maquinista.


El arte de Parrish posee características de colores deslumbrantes siendo los resultados obtenidos por medio de una técnica conocida como Glazing, donde las capas brillantes de oleo son separadas por el barniz, se aplican alternativamente sobre una capa de base. Su trabajo logra un aspecto tridimensional, que no se adapta muy bien a los libros de mesa de café. Las proporciones exteriores y divisiones internas de las composiciones de Parrish, fueron calculados cuidadosamente de acuerdo con los principios geométricos, como la raiz  de rectángulos,  y la proporción áurea. Aquí, Parrish fue influenciado por la teoría de Jay Hambidge de simetría dinámica. Siendo el ideólogo de muchas técnicas innovadoras que ningún artista importante ha copiado correctamente. Una técnica que utilizaba con frecuencia, implicaba la creación de un gran pedazo de tela con motivos geométricos en negro (como alternativa cuadrados en blanco y negro, o un patrón regular de los círculos en negro sobre fondo blanco). Un modelo humano (a menudo el mismo Parrish), entonces se posaba para una foto con el ropaje de forma natural en su cuerpo de manera que, deliberadamente queda distorsionado el patrón fotográfico a retratar. Parrish falleció a los 96 años, el 30 de marzo de 1966.

11/24/2011

Luciano Ventrone, Inspiradores Fragmentos del Hiperrealismo


Luciano Ventrone es un pintor hiperrealista nacido en la ciudad de Roma en el año 1942 y se mudó a Dinamarca a la edad de cuatro años, donde fue recibido por Lady Metha Petersen, una millonaria y, sobre todo, hermosa mujer que le prodigó con regalos. Entre ellos se encontraba una caja de lápices de colores y desde ese momento los colores han dado forma a su vida. De regreso a Italia después de su educación obligatoria, y debido a su situación familiar, Ventrone ha tenido varios trabajos, pero sin embargo, en 1960 se las arregló para asistir a la escuela Artes de Roma. Después de graduarse en 1964, estudió Arquitectura hasta 1968 y luego se unió a las protestas estudiantiles y decide abandonar sus estudios para dedicarse a la pintura, carrera que nunca abandonó y era su única fuente de ingresos en ese momento. Sus dibujos fueron publicados el libro académico "La anatomía humana - el sistema nervioso central", escrito por el profesor Gastone Lambertini de la Universidad Cattolica de Roma. Ventrone se enfrenta a todas las cuestiones principales del arte contemporáneo, hasta que llega al realismo. A partir de ahora, Ventrone inicia un largo viaje y sin cumplir dentro de todos los aspectos de la naturaleza, siempre capturando más y más detalles que son casi invisibles a nuestros ojos, que hoy en día están expuestos a millones de imágenes. Como le gustaba decir a sus alumnos seleccionados: la pintura no se trata de la mera representación de un objeto, se trata de luz y color. Las justas proporciones entre los dos elementos forman una figura dentro del espacio. El sujeto no puede ser visto como es, sino como un elemento abstracto. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, vista su Web