enero 2013

1/31/2013

Jeff Faust, Voraz Instinto Artístico


Jeff Faust es un artista nacido en el año 1952 en Sandy Hook, Connecticut, siendo el único varón de cuatro hijos nacidos de padres creativos que han participado en muchas facetas de las artes. Su padre era el director de un periódico local y su madre trabajaba en la oficina con él. Los dos eran gente de teatro y su casa fue visitada a menudo por actores, escritores y artistas de la cercana ciudad de Nueva York.

Jeff tiene buenos recuerdos de pasar horas perdido entre los libros de arte que sus padres mantenían alrededor de la casa cuando era niño. Cada página cuenta una historia, tanto sobre los propios artistas, y de su trabajo, lo que alimentaba su mente ansiosa que para crear arte no era más que una sorprendente capacidad de poseer, sino que también era su vocación. Recuerda mirar la obra de maestros como Picasso y Miró y estar perdido en su mundo como sus propias historias que se desarrollan en cada una de sus pinturas.

Cuando tenía cinco años, a su padre le ofrecieron un trabajo en Claremont, California, para iniciar una empresa de relaciones públicas en las universidades locales. Esto hizo que la familia se mudara de una costa a la otra. Sin embargo, no disminuyó el entorno artístico de la familia: "Mis padres siempre recrearon el ambiente adecuado para mí, para ser creativo. Ellos me animaron a hacer arte en casa, pero nunca forzaron la situación. Vieron que yo disfrutaba dibujar y aprender acerca de los artistas, así que se aseguraron de que tuviera todo tipo de libros de arte en la casa, así como pintura de acuarela y papel. Era suave aliento"


Como estudiante de primer año en la escuela secundaria, se hizo cada vez más interesado en la pintura y comenzó a desarrollar sus propias técnicas de forma independiente. Su dormitorio era atipico para  un adolescente, estaba  lleno de lienzos y tubos de pintura.

"Fue por esa época que decidí que esta era la dirección que yo quería para mi vida. Mi educación artística era propia. Claremont era una comunidad muy artística, con las universidades llenas de artistas. Era estar en torno a lo que desarrollé, mis técnicas de pintura. Hubo momentos en que sentí que los aspectos de mi trabajo eran similares a Miró, y se convirtió en uno de mis mayores influencias. Aunque su estilo no se refleja en el tema de diseño o temática de mi trabajo, es la explosión de libertad que tenía, y la dinámica de las propias representaciones visuales que son una base importante para todo lo que hago"

Sobre esta idea, Jeff espera que los espectadores de sus obras puedan crear sus propias historias. "A menudo me sorprende lo que los coleccionistas presten atención a mi trabajo", dice. "Mi esperanza es que cada pieza puede ser vista de manera muy diferente por distintas personas. Es algo más que visual, es una historia que contar... un poema en cada lienzo."


Siente que su obra ha pasado por muchos cambios a través de los años a medida que envejece: "Mi primer trabajo fue muy audaz, casi geométrico," comenta. "Fue entonces cuando realmente me convertí en el pintor que soy actualmente. Me gustaría experimentar con otras técnicas y materiales, incluyendo pintura al óleo, pero me di cuenta rápidamente de que no era para mí. Hice sólo media hora antes de que se me cayera el óleo y volver al acrílico  Me gusta trabajar rápido y es por eso que prefiero este medio. Mis pinturas crecen orgánicamente por lo que sentarse y esperar a que la pintura se seque me toma demasiado tiempo"

A Jeff le gusta trabajar sin nociones preconcebidas de lo que el sujeto o la historia será. "Los temas de mi trabajo son las ilustraciones de todas las ideas flotando en mi mente. Estoy constantemente tratando de crear un recorrido visual fuerte a través de estos pensamientos personales. Es raro que pueda crear una pintura que pueda visualizar como una completa pieza acabada. Inevitablemente se van en direcciones diferentes. Muchas veces me he sentado en un lienzo en blanco con una parte de una idea y sólo dejé que tome la libertad de llevarme hacia donde quiera"

Y a dónde va puede ser visto de manera diferente por cada persona. Este artista tiene la capacidad de juntar objetos comunes (a menudo los que se encuentran en la naturaleza), de manera que la historia fluya libremente. "Muchos de mis cuadros puede ser percibidos como luz y lírica, pero también tienen un lado más profundo. Todos sabemos que la vida no es un cuenco de cerezas. Algunas piezas tratan de cómo la vida puede ser frágil y cómo las cosas pueden cambiar muy rápidamente. Mi trabajo también refleja ese lado"

Hoy, Jeff Faust vive con su esposa Jan de 30 años y su gato en Sausalito, California, y es padrastro de sus dos hijos adultos. En la actualidad cuenta con dos estudios, pero pasa la mayor parte del tiempo en el que se encuentra en una pequeña habitación en el sótano. "Es casi una celda de monje", bromea. "Prefiero trabajar en un espacio confinado. Mi otro estudio se encuentra en otro lugar, y que no está funcionando para mí. Me gusta trabajar en casa, porque me gusta tener mi trabajo tan cerca de mí como sea posible. Soy capaz de ir al estudio antes de acostarse para ver mi trabajo, para asegurarme de que estoy en el camino correcto "

También le gusta la idea de tener un espacio lo suficientemente grande para su caballete y él mismo. Esta sensación de encierro que le permite abrir una puerta a un nuevo mundo en el lienzo. Este pequeño espacio también le obliga a parar y caminar lejos del estudio de un descanso. Él, sin embargo, escucha música mientras pinta, desde la clásica hasta la música de raíces americana. También disfruta de los programas de la NPR (National Public Radio). En un año, puede crear una media de 20 pinturas, en torno a ocho horas al día. Cuando no está trabajando, a Jeff y su esposa, una maestra de escuela, les gusta viajar y ambos son lectores voraces. "Me encantan los thrillers y misterios y recientemente he empezado a entrar en la ciencia ficción" También sigue amando a perderse en libros de arte.

Jeff Faust disfruta hablando con sus coleccionistas y organiza su pensamiento sobre lo que ven en su obra. "Nunca he asumido que tengo la última palabra sobre lo que mis cuadros significan o la historia que estoy contando. Muchas veces siento que cuando he terminado una pieza, puedo caminar lejos de ella y ver a través de los ojos de otra persona. Puedo ser el que creó la pintura, pero yo sólo soy un observador. No soy una persona posesiva. No me siento que tengo que retener emocionalmente mi trabajo. Puede ser liberador el dejar que otros tengan mi cuadro por un momento" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

1/30/2013

Deepa Vedpathak, Raíces Musicales en el Lienzo


Deepa Vedpathak es una artista nacida en Bombay, India, en el año 1977. Cuando los colores se configuran en sus lienzos, ellos no tienen límite, Trata de luchar con la aplicación, eliminando la fuerza en las partes contrastantes y finalmente, volver a aplicar color. Trabajar alrededor de diferentes esquemas, que hacen que sus lienzos sean nítidos y vivos. En ellos se describen las relaciones y las emociones, donde un sentido de unión habla silenciosamente a través de la aplicación de colores. La razón, como Deepa dice, es el hecho de que su pincel combina el arte con la música y la danza.

Afirma que pertenecer a una familia profundamente inspirada por la música, se refleja naturalmente como una reflexión en sus trabajos artisticos. Ella dice: "Mi papá canta, al igual que mis hermanas. Cuando yo era joven, la música ma perseguía hasta que incursioné en las artes plásticas. Desde entonces, la música ha seguido siendo un aspecto esencial de mis obras"

Deepa fue especialmente invitada para representar un tema costumbrista de su pais, que fue organizado por Hema Malini para crear obras de arte basadas en la danza folclorica, Krishna Raas. Así que, junto a un grupo de pintores y músicos, Deepa interpreta la danza con un toque de colores en el lienzo. Naturalmente, se siente honrada de que la veterana actriz de Bollywood la haya hecho pintar un tema que está tan cerca de su corazón. Deepa nos comenta: "Hace unos años, yo era parte de la demostración Tina Ambani Harmony art. Desde que Tina y Hemaji Hiraman (su pareja) son amigos cercanos, no me sorprendió que Tina sugiriera mi nombre. Pero fue un honor absoluto para ir a pintar para la demostración de Hemaji"

Mientras Deepa ha estado mezclando la música en sus pinturas desde hace algunos años, se sorprendió cuando el músico Saif Ali Khan se acercó a los representantes de la artista, para comprar una de sus pinturas con temas musicales. Aunque Deepa no tenía contacto directo con Saif, señala que fue el músico en los premios Bollywood que le hizo comprar una pintura que gira en torno a la música. A su vez, Saif aseguró poner sus manos en uno de los lienzos de Deepa, para absorber su inspiración. Ella relata: "Saif compró mi pintura a través de la galería, y como todo el mundo sabe que él es también un músico apasionado, yo estaba feliz de que pueda apreciar otras formas de arte" 

Cada exhibición actual de la artista se encuentra basada en la performance, con varios elementos de la danza y la música clásica y una parte de la fiesta de colores que encuentran un lugar en sus lienzos.






1/25/2013

La Victoria de Samotracia Restaurada Para el 2014





El Louvre de París anunció que restaurará durante un año la Victoria de Samotracia para devolverle al mármol la tonalidad original y solucionar problemas de su estructura Los trabajos, que comenzarán en septiembre de este año, intentarán mejorar aspectos que no se trataron en una restauración precedente de la obra en 1934, señaló el Museo en un comunicado.

El Louvre aprovechará además para restaurar la monumental escalera que corona actualmente la célebre estatua griega de 2,75 metros de alto –5,57 metros con el pie– y concebida entre los años 220 y 185 a.C.

Se espera que la restauración, seguida por un grupo de expertos internacionales, culmine a fines de 2014 o principios de 2015, agregó el museo parisino. El costo de la restauración será de 3 millones de euros (3,9 millones de dólares), financiados con los aportes de Nippon Television Holdings, Fimalac y Bank of America Merrill Lynch Art Conservation Programme.

La Victoria de Samotracia, de autoría anónima, es una obra cumbre de la plástica griega y pertenece a la escuela rodia del período helenístico.

Según expertos, se labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas y procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia por el cónsul francés Charles Champoiseau, un arqueólogo aficionado.

1/24/2013

Jean Cocteau, Serán Traducidos al Español sus Diarios y Cuadernos



Los diarios y cuadernos de reflexiones que Jean Cocteau llevó en sus estancias en la Costa del Sol, entre Marbella y Málaga, ahora traducidos al español en el 50 aniversario de su muerte con el título de El Cordón Umbilical, son un reflejo de su madurez creativa y de su inagotable actividad literaria.

Poco antes de su muerte, aquejado por la enfermedad, Jean Cocteau estuvo en Málaga y en Marbella en abril y mayo de 1960 y desde principios de agosto a principios de octubre de 1961.

En aquellos viajes a España "la Costa del Sol es su único objetivo", como advierte en el prólogo a esta primera edición en español el escritor Alfredo Taján, director del Instituto Municipal del Libro de Málaga, entidad que ha publicado El cordón Umbilical con la editorial Confluencias y con la Fundación Casa Natal de Picasso de Málaga.

Cocteau dedicó aquellos días a hacer cerámicas, a pintar unos paneles para decorar la tienda marbellí de su amiga Ana de Pombo, gran animadora de la Costa del Sol en los primos sesenta, y en escribir estas páginas que fueron publicadas por primera vez en 1962 por las ediciones francesas Plon, dentro de la colección "Yo y mis Personajes". "El trabajo fue su opio y su secreto artístico", dice Taján sobre la actividad que Cocteau desató en su refugio postrero de Marbella, en el que además de pintar los paneles de dos metros de alto por cuatro cuarenta de ancho, escribió estos cuadernos llenos de alusiones a grandes amigos como Picasso, Chaplin, Chanel, Diaghilev, Marais, Genet, Edith Piaf y Panamá Al Brown.

Aficionado a los toros, al boxeo y al flamenco, la visión que Cocteau tuvo de España, país que comenzó a visitar en 1953, se resume en una frase de El Cordón Umbilical: "En España lo excepcional es algo común". El mismo Cocteau lo descubre en estas páginas: "No tengo inconveniente en confiarles mi secreto: Soy un obrero, un artesano que, lo confieso, se consagra intensamente y no se contenta con poca cosa".

El cordón umbilical al que se refiere el título es el que, según Cocteau, une al autor con sus personajes, con sus criaturas, una idea que en estos diarios ilustra con la inteligencia de su amigoCharles Chaplin: "En Japón, una noche, me preocupó ver a Charles Chaplin muy cansado. Le pregunté por la causa y me respondió: Piense en el número de salas en las que actúo esta noche".






Como personaje de carne y hueso considera Cocteau a su gran amigo el boxeador Panamá Al Brown, de quien cuenta cómo le apartó de sus malas costumbres y le sugestionaba para salir al ring con "triquiñuelas infantiles", de modo que antes del combate le hacía "beber agua con gas en una botella de champán". 
Y cómo Al Brown, a mitad de la pelea, continúa Cocteau, "se frotaba el mentón un segundo antes de noquear a su adversario, comunicándome así que podía apostar a los periodistas". A propósito de su amigo el boxeador, que fue campeón mundial de los ligeros, señala Cocteau: "Las malas costumbres son una de las cosas que, sin reflexionar, la gente atribuye a los demás".
La poética de El Cordón Umbilical, como la del resto de su obra, está marcada por el convencimiento de que "una obra recién escrita ya es póstuma" y por una búsqueda de la originalidad:

"No creo que progresemos copiando, y pienso que si golpeamos sobre el mismo clavo acabaremos por aplastarlo", por lo que afirma que la repetición del mismo estilo no es fidelidad a sí mismo, sino pereza.

"La poesía -incluso para quienes la consideran un lujo inútil y asocial- representa una forma de privilegio, por lo tanto de injusticia, que en secreto envidian quienes la condenan", señala Cocteau en estas páginas, en las que incluyó media docena de sonetos y de las que podrían extraerse aforismos brillantes: "El arte es una de las formas más trágicas de la sociedad".

1/20/2013

Maria Kholmogorova, Un Retrato de la Historia Mundial


Maria Kholmogorova es una pintora nacida en el año 1973 es la ciudad de Vladivostok, Rusia. Durante 1989 hasta 1992 asiste a la escuela de arte de su ciudad y ya en 1999 ingresa al Far Eastern State University of Arts. En el mismo año, regresa a su primer escuela de artes pero como profesora. Desde el año 2000, es miembro de la Asociación Internacional de Mujeres Creativas llamada "Las flores del mundo" (Rusia, Corea del Sur, Japón, Australia). Desde el principio, la creatividad de María, había estado dispuesta a entender el mundo. Su primera exposición en solitario "Self-background" causó una reacción mixta: por parte del espectador, un gran interés.... por algunos colegas, el reproche del narcisismo.

Mientras tanto, el género del retrato inequívocamente era la intención de ser propiedad de Kholmogorova como deseo de poder emocionar a la gente de hoy en día. A través de este género, entró en una compleja relación con la creatividad, a la realidad, para encontrar su propio espacio espiritual y humano, a pesar de la sucesión de las generaciones. María volvió a la vida bajo el pincel del casi desaparecido hoy en día género del retrato, la pintura, en la que la artista se encuentra que no es casualidad entre el mundo de las cosas y los acontecimientos. La filosofía, la metáfora, la asociación llena de trabajo en los últimos años, indica la madurez consiguiente. 

Ella prefiere la forma más realista posible para la mayor parte de su narrativa, la pintura de escena, el contenido del cual en los últimos años se ha vuelto ambigua con una excelente atención a la historia del mundo, y la referencia a la parte mitológica de las diferentes naciones. Desde el 2001 es miembro de la Unión de Artistas Rusos. Durante el 2005 al 2009 fue Miembro del Consejo de la Organización Marítima de la Unión de Artistas Rusos. En 2011 recibió el diploma de la rama regional de "los Urales, Siberia y el Lejano Oriente" de la Academia Rusa de las Artes.










1/14/2013

Remi LaBarre, Un Show de Óleo


Remi LaBarre es un pintor nacido en la ciudad canadiense de Thetford Mines en el año 1977. Durante su niñez dibujaba, a menudo, sobre cartones y papel. Un día, un amigo pintor le sugiere probar con este medio. De este modo consigue unos pinceles, unos pocos colores y su primera pintura se seca a lo largo de los días de septiembre de 1994. Posee un estilo de pintura que evoca a piano bares, salones de actos y cafés del viejo mundo. Pero más que eso, su estilo evoca la sensación de una época pasada. Su obra llama la atención rápidamente por su impresionante uso de pinceladas fuertes. 

Así, Remi LaBarre, por dar al mundo una toma moderna en el pasado, refleja la iluminación de entornos silenciosos apuntando a la sensibilidad de sus influencias, John Singer Sargent, Richard Schmid, Fabián Pérez y Jack Vettriano. Rémi LaBarre ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, ha ganado diversos premios y ha recibido una importante cobertura de prensa. El trabajo LaBarre está recibiendo el reconocimiento internacional y ahora es parte de colecciones privadas y públicas. Una de las mejores satisfacciones artísticas de este joven es saber que Leonard Cohen y su séquito poseen y aprecian su retrato de este gran compositor y cantante. Su inspiración proviene de estas tardes de miradas compartidas entre un hombre y una mujer, de la bebida que tal vez todo cambió y desde el músico que se dio cuenta de todo el escenario. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web








1/12/2013

Helena Nelson Reed, Un Llamado a Nuestras Raíces


Helena Nelson Reed es una artista plástica proveniente de Seattle, Washington, criada en el condado de Marin y Napa Valley. Asistió a la Academia Americana de Arte de Chicago, pero pronto descubrió que las técnicas tradicionales del arte comercial que había aprendido estaban siendo olvidadas y cediéndole paso al coloreado por ordenador. Una artista en gran parte autodidacta, asombrosa y visionaria, su principal medio de expresión es la acuarela. El enfoque principal de Helena se encuentra explorando la conciencia colectiva y la representación de la imaginería arquetípica tradicional de Carl Jung y Joseph Campbell: "La escritura de Jung, C.S Lewis, Joseph Campbell y Clarissa Pinkola Estés, han influido en mi forma de interpretar el mito y el folclore a nivel personal y contemporáneo"; comenta. 

Entrenada con una técnica depurada, describe a menudo como algo efímero, pinturas con un detalle extraordinario, empujando el poder de la acuarela más allá de sus límites habituales. Logró mantenerse pintando y exponiendo mientras apuntalaba los cimientos de su excepcional carrera, hasta que hace unos años, comenzó a investigar las oportunidades que le brindaba la venta en línea. No obstante, su trabajo se puede encontrar en colecciones privadas, cubiertas de libros, revistas y portadas de CD. A su vez, también tiene una línea de joyas, calendarios y tarjetas de felicitaciones.

"En lugar de aprender computación gráfica, elegí pintar y durante varios años tuve bastante éxito en exposiciones y espectáculos de Chicago. La exposición y la rutina espectáculo al aire libre se convirtió en imposible, ya que mi familia crecía, y no podia suplir la renta de un "verdadero trabajo". Y creo que estp fue parte de la realidad como un mestizaje sutil y no tan sutil de la luz y de la sombra, de los destinos que se cruzan e interactúan. Como en los grandes cuentos míticos, la mayoría de nosotros hace mucho tiempo sucumbió al encanto. Pisando un puente de sueños, pasan a través de este mundo, confundiendo la ilusión de un sueño lúcido de la realidad". Actualmente Helena Nelson Reed reside en los suburbios de la ciudad de Chicago, mas precisamente en Illinois. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web






1/08/2013

Alberto Klix, Y un Gran Talento Emergió de Tierras Salteñas


Alberto Klix es un artista nacido en la provincia de Salta, Argentina, en Agosto de 1944. De formación autodidacta, aprendió a interpretar graficamente las poesías de Manuel Castilla, Cuchi Leguizamón y Jaime Dávalos, entre otros. Empezó como ilustrador a los 17 años y más tarde trabajó en el diaria El tribuno, de su ciudad natal, donde interpretaba los versos y las historias de los poetas. A diferencia de muchos artistas, Klix fue primero pintor y después dibujante. Pintaba paisajes semiurbanos al óleo: los pueblitos de Cachi, Molinos, Ceclantás, en los valles calchaquíes. Por esos tiempos, Hacía cubismo sintético y le importaba más la atmósfera que el paisaje en sí. Salta y Santiago del Estero tuvieron oportunidad de conocer esa parte de su obra. Cuando llegó a Capital Federal tenía 25 años. Le llamó la atención el ambiente del microcentro, la bolsa, la vida apurada de la ciudad. Entonces empezó a cambiar la pintura por el dibujo. Consideraba que éste, limitado a los recursos únicos del blanco y negro y de sus valores intermedios, era un desafío mayor. Sabía que, por medio de la línea y el claroscuro, podía crear un clima que, en su opinión, se adaptaba mejor a la vida agitada y gris que quería representar. Expuso entonces en algunas galerías porteñas, como Lagard o El Mensaje. El personaje alrededor del cual giraba todo se llamaba Pedro Microcentro, un empleado bancario que soñaba con ser un gran empresario, ministro de economía o alguien importante. Otro de los figurones era María Dólar de Latino América, una mujer gorda, a menudo desnuda, medio diabólica y con dólares en lugar de pelo, que ejercitaba permanentemente la seducción. Con ese tema, Klix hizo una muestra de dibujos en blanco y negro en el Palais de Glace. La componían algo más de una treintena de trabajos a pluma. La temática lo atrajo durante una década en la que presentó varias exposiciones. Con su única herramienta, la pluma, Alberto Klix logra inudarnos de su mundo tan real y detallado que por momentos pareciera estar relatando nuestras vidas. Desde 1972 reside y trabaja en Bella Vista, Provincia de Buenos Aires. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web